Artista
Nato a Bracht, Germania
Hendrik Goltzius (1558–1617): Maestro olandese del Manierismo Settentrionale e della scultura su incisione barocca
Hendrik Goltzius, nato nel Rinascimento tedesco vicino alla regione del Reno inferiore, proveniva da una lunga linea di artisti: suo padre e suo nonno erano entrambi pittori a Venlo, mentre suo padre Jan Goltz II (1534–dopo 1609) era un pittore di vetro a Duisburg. La famiglia si trasferì a Duisburg quando lui aveva solo tre anni. Dopo aver studiato la pittura su vetro sotto il suo padre, imparò l'incisione dal filosofo e artista olandese Dirck Volckertszoon Coornhert, che allora viveva a Cleves. Nel 1577 si trasferì con Coornhert ad Haarlem nella Repubblica Olandese, dove rimase basato per il resto della sua vita. Nella stessa città, fu assunto da Philip Galle per incidere una serie di stampe sulla storia di Lucretia. Aveva una deformità destra alla nascita causata da un incendio, che si rivelò particolarmente adatta a tenere la punta del burin; "grazie alla forza dei muscoli della sua spalla e braccio, padroneggiò un movimento deciso della linea", rendendo le sue incisioni altamente distintive. Hendrik Goltzius portò a un livello senza precedenti l'uso della linea "a sviluppo", dove il burin viene manipolato per rendere linee più spesse o più sottili creando effetti tonali da lontano. Era un vero maestro dell'incisione e rivaleggiava con Dürer, e fece incisioni dei dipinti di Bartholomäus Spranger, aumentando così la fama dell'ultimo – e la sua stessa. Goltzius iniziò a dipingere alla quarantena; alcuni dei suoi quadri si trovano a Vienna. Inoltre eseguì alcune sculture su incisione che hanno contribuito ad affermare il suo stile unico nel panorama artistico del suo tempo.
Biografia
Hendrik Goltzius nacque intorno al gennaio o febbraio 1558 vicino alla città di Verviers, nella regione tedesca del Reno inferiore, dove la sua famiglia si trasferì quando lui aveva solo tre anni. Dopo aver studiato la pittura su vetro sotto il suo padre Jan Goltz II (1534–dopo 1609), maestro di vetro, imparò l'incisione dal filosofo e artista olandese Dirck Volckertszoon Coornhert, che allora viveva a Cleves. Nel 1577 si trasferì con Coornhert ad Haarlem nella Repubblica Olandese, dove rimase basato per il resto della sua vita. Ambitioso fin dall'inizio, Goltzius aveva una deformità destra alla nascita causata da un incendio, che si rivelò particolarmente adatta a tenere la punta del burin; "grazie alla forza dei muscoli della spalla e braccio, padroneggiò un movimento deciso della linea", rendendo le sue incisioni altamente distintive. Nel 1580 Coornhert invitò Goltzius a Haarlem dove iniziò una collaborazione artistica che durò fino alla morte di Coornhert nel 1609. Questo rapporto fu fondamentale per lo sviluppo del suo stile e della sua produzione artistica, soprattutto nella creazione di opere ispirate ai principi estetici del Rinascimento italiano.
Tecnica e Stile
Hendrik Goltzius fu un vero pionieristico nell'uso della linea "a sviluppo", una tecnica innovativa che consisteva nel manipolare il burin per creare linee più spesse o più sottili, ottenendo effetti tonali profondi anche a distanza. Questa maestria nella linea a sviluppo lo distingueva dai suoi contemporanei e gli permetteva di esprimere emozioni intense nelle sue opere. Goltzius fu influenzato dalle teorie artistiche del suo tempo e dalla ricerca della bellezza ideale ispirata ai modelli classici greci e romani. Inoltre, egli sviluppò una straordinaria capacità di rappresentare la luce e l'ombra con grande precisione, creando immagini che catturavano la complessità delle esperienze sensoriali dell'artista.
Opere Principali
Hendrik Goltzius produsse oltre cinquecento disegni e circa cinquanta dipinti, dimostrando una versatilità artistica senza pari. Tra le sue opere più importanti figurano La Deposizione dalla Croce, Il Giudizio Universale, Apollo Belvedere e numerose incisioni dopo i disegni di altri artisti celebri come Bartholomäus Spranger. Queste opere testimoniano la sua capacità di affrontare temi complessi con grande sensibilità emotiva e intellettuale, esprimendo una visione del mondo profondamente influenzata dalla filosofia umanistica del suo tempo. Le sue opere sono oggi conservate nei musei più importanti d'Europa, tra cui il Museo Boymans-Van Beuningen ad Amsterdam e il Museo Rijksmuseum.
Influenze
Hendrik Goltzius fu influenzato dalle teorie artistiche del Rinascimento italiano e dalla ricerca della bellezza ideale ispirata ai modelli classici greci e romani. Inoltre, egli studiò attentamente le opere dei grandi artisti del passato, come Michelangelo Buonarroti e Raffaello Sanzio Velázquez, assimilando i loro metodi di lavoro e il loro stile espressivo. Questa attenzione alla tradizione artistica contribuì a definire la sua personalità creativa e lo guidò nella creazione delle sue opere più significative.
Museo
In mostra presso Los Angeles, Stati Uniti d'America
Origini e Storia del Los Angeles County Museum of Art
Il Los Angeles County Museum of Art è emerso da un periodo di profonda trasformazione per il panorama culturale della città. È nato dall'ambizione condivisa di Edward W. Carter e Howard F. Ahmanson Sr., la cui visione ha contribuito a plasmare la direzione iniziale dell'istituzione. Prima di diventare l'entità indipendente e focalizzata sull'arte che conosciamo oggi, l'istituzione si è evoluta a partire dal Los Angeles Museum of History, Science and Art. Questo lignaggio connette il campus moderno a una lunga tradizione di preservazione della diversificata storia della regione.
Nel 1961, il Los Angeles County Museum of Art è stato fondato, segnando un distacco dalla sua precedente struttura multidisciplinare. Entro il 1965, l'istituzione si è trasferita nel suo attuale complesso su Wilshire Boulevard, affermandosi come uno spazio dedicato allo studio e all'osservazione artistica. Questa transizione ha permesso un approccio più specializzato sull'evoluzione dell'espressione creativa attraverso i millenni. Oggi, vanta il prestigio di essere il più grande museo d'arte dell'Ovest degli Stati Uniti.
L'Architettura del Campus Museale
La genesi del museo è indissolubilmente legata all'architettura visionaria di William Pereira. Questo campus modernista si definisce attraverso maestose facciate in vetro e forme geometriche che stabiliscono una presenza distinta e iconica all'interno del paesaggio. La sua configurazione è evoluta nel tempo attraverso diverse e significative espansioni, ognuna delle quali ha apportato un linguaggio strutturale unico al sito. L'edificio Robert O. Anderson, dedicato all'arte del XX secolo e progettato dallo studio Hardy Holzman Pfeiffer Associates, conferisce una specifica logica spaziale alla collezione; poco distante, il Padiglione per l'Arte Giapponese, opera di Bruce Goff, offre un ritmo architettonico profondamente diverso.
La materialità e la luce sono le protagoniste delle espansioni più recenti. Il Padiglione Resnick, progettato da Renzo Piano, utilizza una combinazione di vetro e pietra per evocare un senso di permanenza e solidità. In netto contrasto, il Museo d'Arte Contemporanea the Broad offre spazi dalle altissime soffitti e privi di colonne, che permettono una visione del tutto libera e senza ostacoli delle opere esposte. Queste strutture così variegate creano un ambiente complesso e affascinante, dove epoche diverse del design coesistono in un dialogo continuo.
Un Mosaico di Collezioni
Il patrimonio custodito tra queste mura abbraccia sessantamila anni di espressione artistica, racchiudendo oltre 150.000 opere che invitano a un viaggio senza tempo. Questa straordinaria ampiezza permette un confronto silenzioso e profondo con l'evoluzione della creatività umana attraverso le ere. La collezione di pittura europea esercita una presenza maestosa tra le sale, offrendo un incontro diretto con le radici della storia dell'arte occidentale. Poco distante, la collezione d'Arte Asiatica svela sculture intricate provenienti dal Giappone e dalla Cina, dove la densità e la forma del materiale sembrano sussurrare storie di secoli di tradizione.
L'identità regionale del territorio trova la sua voce attraverso le opere dell'arte californiana, testimoni che riflettono l'anima specifica del paesaggio e delle genti di questa regione. Accanto a questi strati storici, il museo mantiene una presenza vibrante nell'arte moderna e contemporanea, in un dialogo costante tra il passato e il presente. La presenza fisica di questi oggetti delinea una linea temporale continua del pensiero umano e del linguaggio visivo.
Magdalen with the Smoking Flame, 1640
Weeping Coconuts or Coconut Tears, 1951
Portrait of Jacopo (Giacomo) Dolfin, 1532
Jeannette I, 1913
Tokugawa Iemitsu Receiving Lords in Audience, 1875
Monumental Head of Jean d, 1971
Grandi Acquisizioni e Donazioni
Le fondamenta della collezione artistica affondano le radici nel 1918, quando una generosa donazione di dipinti americani segnò l'inizio di un percorso straordinario. Questo primo afflusso di opere fu fondamentale per delineare uno spazio dedicato all'espressione delle belle arti all'interno dell'istituzione. Con il passare del tempo, l'arrivo della collezione Balch portò nelle sale una presenza significativa di capolavori olandesi e fiamminghi, offrendo un prezioso sguardo sulla precisione tecnica e sulla maestria di quelle antiche tradizioni pittoriche.
La presenza di Rembrandt all'interno del patrimonio museale si è consolidata attraverso contributi di inestimabile valore. Nel 1953, J. Paul Getty donò il Ritratto di Marten Looten del 1632, un passo decisivo per la collezione. A questo seguì, nel 1969, l'acquisizione del Ritratto di Dirck Jansz. Pesser, offerto da Armand Hammer. Infine, nel 1972, la Ahmanson Company contribuì con l'imponente Risurrezione di Lazzaro, rafforzando ulteriormente il prestigio delle opere del maestro olandese custodite nel museo.
Mostre e Arte Pubblica
Il campus si estende ben oltre le gallerie interne, abbracciando installazioni all'aperto di grande impatto. Proprio ai cancelli d'ingresso, 202 lampioni d'epoca restaurati si dispongono nell'installazione Urban Light, un suggestivo assemblaggio di luce e metallo che esercita una presenza costante e magnetica sin dal primo approccio. Poco distante, il masso da 340 tonnellate noto come Levitated Mass di Michael Heizer incombe sopra un percorso in cemento lungo 139 metri; il peso e la scala monumentale della pietra generano una gravità quasi tangibile all'interno del paesaggio.
La programmazione del museo si muove fluidamente tra la dimensione visiva e quella uditiva, con l'istituzione che ospita cicli di proiezioni cinematografiche e concerti che animano gli spazi del campus. Anche le mostre temporanee portano temi contemporanei nelle gallerie, come nel caso dei ritratti di Obama, garantendo che l'atmosfera del museo rimanga in un stato di costante e vibrante mutamento.
Progetti Recenti e Sviluppi Futuri
Il campus è attualmente protagonista di una trasformazione profonda e significativa. Una proposta dell'architetto Rem Koolhaas suggerisce la creazione di un'unica struttura sormontata da una tenda, concepita per ridefinire la logica spaziale del sito. Questa visione ambiziosa cerca di rimodellare il modo in cui l'istituzione occupa il proprio spazio all'interno del tessuto urbano, mentre l'evoluzione architettonica prosegue incessantemente, adattando il museo a nuove esigenze strutturali e alle necessità della modernità.
Nell'aprile del 2026, le David Geffen Galleries hanno aperto le porte al pubblico. Questi spazi, magistralmente progettati da Peter Zumthor, aggiungono un prezioso strato contemporaneo al paesaggio architettonico esistente. La loro presenza offre un modo unico e specifico di incontrare le opere custodite dall'istituzione, garantendo un ambiente controllato e suggestivo per l'osservazione dell'arte.
