作家
The Nomadic Vision of Sameer Makarius
The life of Sameer Makarius was a profound journey across borders, much like the layered and textured canvases he created. Born in Egypt in 1924, his early years were shaped by the shifting tides of mid-century Europe. Moving between Egypt, Germany, and Hungary during the turbulent decades of the 1930s and 1940s, Makarius developed a cosmopolitan perspective that would later define his artistic identity. It was in Budapest, amidst the shadows of World War II, that he truly found his voice as a painter. By 1944, he had emerged as a significant figure in the non-figurative movement, participating in the city's first exhibitions of abstract art and establishing himself as a founding member of the Hungarian Concrete Art Group. This period of intense experimentation within the European School instilled in him a lifelong commitment to the avant-garde, blending the precision of geometric abstraction with a deep, subconscious exploration of form.
In 1953, a pivotal chapter began when Makarius settled in Buenos Aires, a move that would forever intertwine his Egyptian roots with Argentine culture. This transition marked more than just a change in geography; it was an immersion into a burgeoning scene of abstract experimentation. In Argentina, his work expanded to encompass not only the canvas but also the lens. As a photographer and historian, he became one of the most prolific chroniclers of Buenos Aires during the 1950s and 60s. Carrying his Leica and Olympus cameras through the bustling streets, he sought to capture the soul of his new home, treating photography not merely as documentation but as a high art form. His dedication to this medium led him to co-found the Grupo Forum, a collective dedicated to elevating photography's status within the artistic hierarchy.
A Synthesis of Abstraction and Identity
The aesthetic language of Makarius is a captivating dialogue between structure and emotion. His paintings are often characterized by complex, layered geometric forms that seem to emerge from and recede into textured surfaces. This technique creates a sense of depth and mystery, inviting the viewer to look beyond the surface into a realm of symbolic resonance. Influenced heavily by the Surrealist principles of André Breton and Joan Miró, his work often evokes dreamlike landscapes that grapple with themes of memory, identity, and the human psyche. There is a palpable tension in his oeuvre between the rigid discipline of Concrete Art and the fluid, evocative nature of his more atmospheric compositions.
Beyond his personal practice, Makarius was a vital architect of the Argentine art scene. He was a co-founder of the influential Otra Figuración group, working alongside luminaries such as Jorge de la Vega, Ernesto Deira, Rómulo Macció, and Luis Felipe Noé. This involvement placed him at the heart of a movement that sought to redefine visual aesthetics through a more expressive, often visceral approach to painting. His scholarly contributions were equally significant; he authored essential texts on the history of Argentine photography, documenting the evolution of the medium from 1840 to 1981, and published works like Buenos Aires y su gente that captured the cultural pulse of his adopted city.
The legacy of Sameer Makarius is preserved in some of the world's most prestigious institutions, ensuring that his nomadic spirit continues to inspire. His work serves as a bridge between the European avant-garde and Latin American modernism, representing a unique intersection of history and art. To study his life is to witness the power of movement and adaptation, seeing how an artist can take the fragments of a displaced life and weave them into a cohesive, enduring masterpiece of global significance.
Key Artistic Movements: Concrete Art, Surrealism, Abstract Avant-Garde, Otra Figuración.
Major Contributions: Co-founder of Grupo Forum and Otra Figuración; Author of foundational texts on Argentine photography.
Notable Collections: The Museum of Modern Art (New York), Tate Modern (London), Centre Pompidou (Paris), and Museo Reina Sofía (Madrid).
美術館・博物館
展示中： リオデジャネイロ, ブラジル
ブラジル文化の宝石：シウ・デ・ジャネイロ、ブラジル銀行文化センター（CCBB）
リオデジャネイロの歴史的な中心地区、活気あふれるラルゴ・ダ・カンデラリアの向かいに、単なる煉瓦とモルタルを超えた存在、ブラジルの芸術的精神が息づく生きた証としての建物が佇んでいます。ブラジル銀行文化センター（CCBB）リオデジャネイロは、単なる美術館ではありません。それは、ブラジル美術、演劇、映画、そして人々の精神そのものを巡る、緻密に構成された没入型の旅なのです。1880年にリオデジャネイロ商業協会の本部として誕生したこの建築の傑作は、1920年代にブラジル銀行によって取得された際、劇的な変貌を遂げました。そして今日、ダイナミックな文化拠点として花開いています。その歩みは、保存と再創造の物語であり、アール・デコの優雅さと現代的な創造性を見事に融合させています。それは、進化し続けるブラジル自身のアイデンティティを映し出しているかのようです。
建物そのものが、見る者を瞬時に引きつけるブラジル・モダニズムの素晴らしい好例です。建築家フランシスコ・ジョアキン・ベテンコート・ダ・シルヴァの手によるこの空間は、石と光が奏でる交響曲であり、高くそびえ立つ柱、緻密な装飾、そして天へと昇っていくかのような息を呑むほど美しい大理石の階段を誇っています。ファサードに刻まれた幾何学模様は、内部に眠る至宝を予感させ、室内には洗練された壮麗さが漂います。これは、建物の豊かな過去を敬いながら未来を受け入れるという、意図的な選択なのです。CCBBリオデジャネイロは、ブラジルの文化的遺産の力強い象徴として、訪れる人々を時を超えた旅へと誘い、国家の芸術的レガシーとの繋がりを感じさせてくれます。
建築的意義：
幾何学的なパターンと豪華な素材を特徴とする、ブラジル・アール・デコ建築の代表的な傑作。
歴史的背景：
元はリオデジャネイロ商業協会の本部であり、後にブラジル銀行の中央支店へと姿を変えた。
ロケーション：
ラルゴ・ダ・カンデラリアに戦略的に位置し、居住者と観光客の双方にとって極めてアクセスしやすい。
芸術的表現の万華鏡
CCBBリオデジャネイロのプログラムは驚くほど多様で、幅広い関心や感性に応えています。その核心にあるのは、巨匠から新進気鋭の才能までを網羅する、ブラジル国内外の美術展の印象的なコレクションです。しかし、このセンターの魅力は視覚芸術に留まりません。ここは真の多角的な文化拠点なのです。年間を通じて、大規模な演出から親密な実験的舞台まで、人々を魅了する演劇公演、ブラジルの独立系映画から国際的な大作まで上映される活気ある映画プログラム、そして豊かな知識への扉を開く包括的な図書室など、創造的なエネルギーが空間全体に満ち溢れています。
特筆すべきは、CCBBリオデジャネイロが、常に国際的な称賛を浴びる展覧会を開催してきたことです。2015年に開催された「ピカソとスペインのモダニティ」は、世界で最も多くの来場者を記録したポスト印象派および近代美術展として世界的な認知を得ました。この成功は決して単発的なものではありません。CCBBは、対話を促し、視点に挑戦し、境界を越える芸術の力を祝福するような展示を一貫してキュレーションしています。この機関は野心的なプロジェクトを厭わず、芸術運動の複雑さや個々の創造的ビジョンを深く掘り下げた大規模な回顧展やテーマ別探索を頻繁に提示しています。
ブラジルの巨匠たちの残響
コレクションをさらに深く辿っていくと、ブラジルの多様な文化的景観を反映した、魅力的なブラジル人アーティストたちの姿が浮かび上がります。美術館の収蔵品には、産業都市サンパウロを情緒豊かに描くことで知られるフランシスコ・トニの重要な作品が含まれています。特に「Utilitário Centro Cultural (lado B)」は、幾何学的な形態と冷涼な色調を通じて、都市のエッセンスを見事に捉えています。また、先駆的なネオ・コンクリート派のアーティストであるエリオ・オイチシカの作品も展示されています。彼の革新的な色彩の使用、環境芸術、そして没入型のインスタレーションは、芸術表現の境界を押し広げました。さらに、著名な小説家であり芸術家でもあるルーベンス・テイシェイラ・スカボーネの作品も、その創造性と機知に富んだ独自の融合を示しています。
これらのアーティストたちは、他の多くの表現者たちと共に、ブラジルの芸術的遺産という豊かなタペストリーを織りなしています。CCBBリオデジャネイロは、彼らの作品を紹介するための不可欠なプラットフォームとして機能し、そのレガシーが次世代にインスピレーションを与え続けることを確かなものにしています。ブラジル美術界における多様な声を代表しようとする美術館の姿勢は、文化的な包摂性と保存に対する献身の証なのです。
記念碑的な展覧会によって築かれたレガシー
個々のアーティストを超えて、CCBBリオデジャネイロは観衆を魅了し、国際的な称賛を集める展覧会を絶えず開催してきました。2015年の「ピカソとスペインのモダニティ」の展示は、世界で最も来場者の多かったポスト印象派および近代美術展として世界的な評価を確立し、驚異的な数の訪問者を引き寄せ、一流の文化目的地としてのセンターの地位を揺るぎないものにしました。この成功は偶然の産物ではなく、CCBBが常に、対話を呼び起こし、既存の視点に揺さぶりをかけ、境界を超える芸術の力を称える展示をキュレーションしてきた結果なのです。この機関は野心的なプロジェクトに対して臆することなく、芸術運動の複雑さや個々の創造的ビジョンを深く探求する大規模な回礼展やテーマ別の探索を頻繁に展開しています。
美術館を超えて：文化の鼓動
CCBBリオデジャネイロを真に際立たせているのは、そのアクセスの良さと、文化に対する包括的なアプローチです。ここは単に受動的に鑑賞するための場所ではありません。人々を惹きつけ、インスピレーションを与え、芸術への深い理解を育むために設計された、没入型の環境なのです。ラルゴ・ダ・カンデラリアに近い中心部という立地は、地元住民と観光客の双方にとって文化的な豊かさを容易に享受できるものにしています。CCBBは、傑作の筆致の中に自分を見失い、力強い演劇に心を動かされ、あるいは独立系映画を通じて新しい視点を発見することができる場所――これらすべてが、一つの壮大な屋根の下で実現するのです。ここはリオデジャネイロの活気に満ちた魂を体現し、ブラジル全体にとって不可欠な文化的ランドマークとして機能しています。まさに、芸術が呼吸し、生き、そしてコミュニティと深いレベルで繋がる場所なのです。
