Double Red

Artista

howard mehring

The Lyrical Abstraction of Howard Mehring

Howard Mehring, a pivotal figure in the Washington Color School movement, stands as a testament to the power of pure color and its ability to evoke profound emotional responses. Though often overshadowed by his more celebrated contemporaries like Morris Louis and Kenneth Noland, Mehring’s contributions to Abstract Expressionism – specifically his pioneering stain painting techniques – are undeniably significant. Born in 1930, Mehring's artistic journey unfolded against a backdrop of post-war American optimism and the burgeoning exploration of non-representational art. He didn’t arrive at abstraction through dramatic upheaval or overt political statement; rather, his path was one of quiet contemplation and relentless experimentation with the very essence of paint itself. Mehring eschewed traditional brushwork, instead favoring a method where thinned acrylics were poured onto unprimed canvas, allowing gravity and capillary action to dictate their flow and interaction. This process wasn’t about control but surrender – an invitation for color to reveal its inherent qualities and create luminous, ethereal forms.

Early Influences and the Emergence of a Unique Style

Mehring's early artistic training provided a foundation in traditional painting techniques, but it was his exposure to Helen Frankenthaler’s groundbreaking “soak-stain” method in the 1950s that proved transformative. Frankenthaler’s work liberated color from the constraints of form and texture, inspiring Mehring to pursue a similar path, yet one distinctly his own. While sharing an affinity for staining techniques, Mehring diverged by embracing a more deliberate layering of colors, often creating complex chromatic relationships within his compositions. He wasn't interested in replicating Frankenthaler’s spontaneous gestures; instead, he sought to build up fields of color through successive washes, allowing previous layers to subtly influence the hues above. This resulted in paintings that possess an extraordinary depth and luminosity – a shimmering interplay of light and color that draws the viewer into a meditative state. His early works often featured muted tones and subtle gradations, reflecting a quiet sensibility and a focus on the inherent beauty of the materials themselves.

The Stain Technique: A Dialogue with Gravity and Color

Mehring’s signature stain technique involved pouring thinned acrylic paints onto unprimed canvas laid horizontally. The paint, unburdened by thick impasto or deliberate brushstrokes, spread organically across the fabric, creating fluid, amorphous shapes and vibrant color fields. This process wasn't merely a technical innovation; it was a philosophical approach to painting – an attempt to relinquish control and allow the inherent properties of color to dictate the composition. The canvas became a receptive surface, absorbing the paint and revealing its unique character. Mehring meticulously controlled the viscosity of the paints and the angle of the canvas, but ultimately allowed gravity and capillary action to play a crucial role in shaping the final image. This resulted in paintings that feel both intentional and accidental – a delicate balance between artist’s vision and the unpredictable nature of the medium. “Blue Green & Violet”, for example, exemplifies this approach, showcasing a harmonious blend of cool hues that evoke a sense of tranquility and spaciousness.

The Washington Color School and Lasting Legacy

As a prominent member of the Washington Color School, Mehring contributed to a unique artistic environment characterized by its focus on color as subject matter. Unlike the gestural abstraction of New York painters like Jackson Pollock and Willem de Kooning, the Washington Color School artists prioritized clarity, simplicity, and the exploration of chromatic relationships. The movement emerged in the 1950s and 60s, gaining recognition for its distinctive aesthetic and intellectual rigor. Mehring’s work, alongside that of Louis, Noland, and Gene Davis, helped to establish a new vocabulary for abstract painting – one that emphasized opticality and emotional resonance over narrative or symbolism. “Untitled”, with its bold interplay of reds and blues, demonstrates the movement's commitment to pure color and its ability to create powerful visual impact. While Mehring’s work didn’t achieve the same level of commercial success as some of his peers, it has garnered increasing recognition in recent years for its subtle beauty and innovative technique. His paintings continue to inspire artists and captivate viewers with their luminous colors and meditative qualities. His influence can be seen in contemporary abstract painting that prioritizes color field aesthetics and explores the boundaries between control and chance.

Major Achievements and Continued Exploration

Throughout his career, Mehring consistently refined his stain technique, pushing the boundaries of color interaction and exploring new chromatic possibilities. “Double Red”, a striking example of his later work, showcases a masterful layering of red hues that creates a sense of depth and intensity. He exhibited widely throughout the United States, including solo shows at galleries in Washington D.C., New York, and Los Angeles. While he remained largely independent from mainstream art trends, Mehring’s work was consistently praised for its originality and emotional power. He taught painting at various institutions, sharing his knowledge and passion with a new generation of artists. Mehring's commitment to experimentation continued throughout his life, even as he perfected his signature style. His paintings are now held in numerous public and private collections, serving as a testament to his lasting legacy as a pioneer of Color Field painting and a significant figure in the history of Abstract Expressionism. He remains active today, continuing to explore the boundless possibilities of color and its ability to transform our perception of the world.

Museu

The Phillips Collection

Em exibição em Washington, D.C., Estados Unidos da América

A Santuário da Visão Moderna: A Phillips Collection

Aninhada no elegante bairro de Dupont Circle, em Washington D.C., reside um tesouro – a Phillips Collection, o primeiro museu americano dedicado à arte moderna. Longe de ser uma instituição pública grandiosa desde sua concepção, ela floresceu organicamente da visão apaixonada de Duncan Phillips e sua esposa, Marjorie Acker Phillips. A partir de 1921, sua casa transformou-se em uma galeria íntima, um refúgio para a inovação artística que desafiou os gostos predominantes da época. Phillips, herdeiro de uma fortuna sideral, mas impulsionado por uma profunda sensibilidade estética, acreditava profundamente na interconexão da arte através das gerações. Ele não se limitava a colecionar; estava construindo um diálogo – uma conversa entre mestres antigos e modernistas emergentes, reconhecendo ecos de emoção e técnica que transcendiam as fronteiras temporais. Essa filosofia moldou não apenas suas aquisições, mas também a própria atmosfera do museu, fomentando um ambiente onde a contemplação e a conexão poderiam florescer.

A residência georgiana revival, expandida com cuidado ao longo dos anos, mantém essa sensação de intimidade, um contraste deliberado com a escala imponente frequentemente associada às grandes instituições de arte. Caminhar por seus aposentos é como visitar uma casa lindamente organizada – um testemunho da crença de Phillips de que a arte deve ser vivida, experimentada pessoalmente, e não apenas observada de longe. A coleção em si é uma revelação, ancorada por obras icônicas que ressoam com poder duradouro. Um dos seus destaques mais celebrados é Luncheon of the Boating Party, de Pierre-Auguste Renoir, uma representação cintilante do lazer parisiense que encapsula a alegria e a beleza fugaz central à Impressãoismo. A pintura não é apenas um deleite visual; é um convite para entrar em uma tarde ensolarada, sentir o calor na pele e ouvir as risadas dos amigos. Mas a Phillips Collection não se contenta com os sucessos passados. Ela ostenta um grupo excepcional de telas de Vincent van Gogh, incluindo Fisherman's Wife on the Beach, que revela a intensidade emocional bruta do artista através de pinceladas expressivas e uma representação pungente da vida cotidiana. As cores vibrantes e as composições ousadas de Henri Matisse enriquecem ainda mais a coleção, exemplificando a libertação do Fauvismo da precisão representacional em favor do impacto visual puro.

Um Legado de Escolhas Audaciosas: Exposições Pioneiras

A Phillips Collection não se limitava a exibir mestres consagrados; buscava ativamente e defendia artistas que estavam à frente de seu tempo. Ao longo de sua história, o museu sediou exposições inovadoras que desafiaram o pensamento convencional e expandiram as fronteiras da expressão artística. Um exemplo notável é a redescoberta de Louis Michel Eilshemius na década de 1930 – um artista americano cuja visão singular havia sido largamente negligenciada pelo mundo da arte mainstream. Phillips reconheceu o talento singular de Eilshemius, apresentando seu trabalho a um público mais amplo e ajudando a estabelecer sua posição na história da arte americana. Essas exposições não eram meras demonstrações de obras de arte; eram catalisadores para a conversa, provocando debates críticos e moldando o curso da arte moderna nos Estados Unidos.

A Intimidade que Distingue a Phillips

O que realmente distingue a Phillips Collection de outras instituições é sua dedicação inabalável à criação de uma experiência íntima e imersiva para os visitantes. Ao contrário dos museus extensos que podem parecer avassaladores, a Phillips oferece um santuário – um espaço projetado para contemplação silenciosa e engajamento pessoal com a arte. A curadoria cuidadosa das exposições prioriza a nuance artística e a ressonância emocional, incentivando os espectadores a se aprofundar nas complexidades de cada obra. É um lugar onde você pode permanecer em frente a uma pintura, permitindo que suas cores e texturas o envolvam, ou se perder nos detalhes sutis de uma escultura. Essa dedicação à intimidade se estende além do espaço físico; permeia todos os aspectos das operações do museu, desde sua equipe informada até seus programas educacionais cuidadosamente projetados. A Phillips Collection não é apenas sobre ver arte; é sobre sentir a criatividade que anima cada obra-prima – sobre forjar uma conexão pessoal com o espírito criativo.

Um Encontro com Washington D.C.

Localizada no coração de Dupont Circle, um bairro vibrante e histórico de Washington D.C., a Phillips Collection oferece aos visitantes uma experiência única que combina arte de alta qualidade com um ambiente acolhedor e convidativo. A proximidade com outras atrações culturais e o charme do bairro tornam a visita ainda mais memorável. A coleção abriga obras-primas de Renoir, Van Gogh, Matisse e muitos outros artistas renomados, enquanto a arquitetura da casa original, cuidadosamente preservada, evoca uma sensação de conforto e familiaridade. A Phillips Collection é um farol de excelência artística, um lugar onde a beleza inspira reflexão e expande horizontes para as gerações futuras.