Während wir warten 4

Die Schnittstelle von Form und Stoff

Im Jahr 2019 schuf Tonia Nneji Während wir warten 4, ein Werk auf Leinwand mit Acrylfarben, das durch mutiges Color-Blocking und eine flächige Perspektive die menschliche Silhouette erforscht. Die Komposition zeigt zwei stilisierte Figuren in einer intimen Interaktion, deren Formen mit einer geometrischen Präzision dargestellt sind, die beinahe skulptural anmutet. Durch überlappende Formen und eine bewusste Verzerrung der räumlichen Beziehungen erzeugt das Werk eine Tiefe, die jedoch in ihrer Ambivalenz verweilt. Der Farbauftrag ist haptisch geprägt, mit sichtbaren Pinselstrichen und einer starken Schichtung, welche die Textur des Hintergrunds sowie die gemusterten Oberflächen der Figuren betont.

Die visuelle Sprache des Werkes schöpft intensiv aus der Ästhetik der Pop Art und des zeitgenössischen abstrakten Expressionismus. Indem die Künstlerin die menschliche Form zu Formen vereinfacht, die an Schaufensterpuppen erinnern, entzieht sie den Figuren ihre individuelle Identität, um den Fokus ganz auf die Spannung zwischen den beiden Körpern zu lenken. Das Licht wirkt gerichtet und wirft starke Schatten, welche die Konturen der Gestalten definieren und die dramatische Schwere ihrer Nähe intensivieren.

Die Erzählung des Körpers

Das Werk ist tiefgreifend von den persönlichen gesundheitlichen Herausforderungen der Künstlerin geprägt, insbesondere von ihrer Erfahrung im Umgang mit dem Polycystischen Ovarialsyndrom (PCOS). Diese medizinische Realität spiegelt sich in der Auseinandersetzung des Werkes mit körperlicher Autonomie und der physischen Erfahrung von Frauen wider. Die über die Leinwand verteilten Muster beziehen sich auf Gedenktextilien, die als Symbole für Zugehörigkeit und Identität fungieren. Diese Stoffe dienen nicht bloß der Dekoration; sie agieren als eine visuelle Sprache für die Komplexität weiblicher Lebensrealitäten.

Es entsteht eine Spannung zwischen der schützenden Natur der Muster und der Verletzlichkeit, die durch die Körperhaltung der Figuren impliziert wird. Indem sie kräftige Farben nutzt, um Themen wie Trauma und medizinisches Schweigen zu adressieren, transformiert das Werk einen privaten Kampf in einen öffentlichen Dialog. Die Interaktion zwischen den beiden Figuren deutet einen Zustand des Wartens oder des Übergangs an und thematisiert die psychische Belastung, die mit dem Management chronischer gesundheitlicher Zustände einhergeht. Es ist eine Studie der Resilienz, ausgedrückt durch die Überschneidung von organischer Form und starrer Geometrie.