Second Version of Triptych 1944: Ein Abstieg in den viszeralen Horror

Francis Bacons Second Version of Triptych 1944, vollendet im Jahr 1988, steht als monumentales Zeugnis für das unerschütterliche Bestreben des Künstlers, sich den dunkelsten Abgründen der menschlichen Erfahrung zu stellen. Es handelt sich nicht bloß um eine Wiederholung seines bahnbrechenden Meisterwerks von 1944, Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion; vielmehr ist es eine Verstärkung – eine bewusste Vertiefung der beunruhigenden psychologischen Landschaft, die sein Vorgänger etablierte. In Acryl auf Leinwand ausgeführt, verkörpert dieses ausladende Werk Bacons Signaturstil: groteske, fragmentierte Figuren, dargestellt vor einem tiefen karmesinroten Hintergrund, der von latenter Bedrohung pulsiert.

• Historischer Kontext
• Stilistische Innovationen
• Symbolik und Bildsprache
• Technik: Die Alchemie der Textur
• Emotionale Resonanz

Historischer Kontext: Echos des Traumas und das künstlerische Erbe

Bacons künstlerische Reise begann inmitten der turbulenten Nachwirkungen des Zweiten Weltkriegs, einer Ära, die von tiefer Desillusionierung und existenziellen Fragen geprägt war. Stark beeinflusst von Picassos Biomorphismus – jenen verzerrten Darstellungen menschlicher Formen – und tief bewegt von Nietzsches Philosophie der ewigen Wiederkunft, rang Bacon mit Themen des Leidens, der Sterblichkeit und der unausweichlichen Brutalität, die der Existenz innewohnt. Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion, nur zwei Jahre zuvor geschaffen, diente als Schmelztiegel dieser Ängste und destillierte sie in drei gewaltig verstörende Bilder: ein Mann auf einer Bank, eine Gestalt vor einer roten Wand und ein Mann, der neben einem Stuhl einen Regenschirm hält. Die Entstehung des Triptychons in Aischylos' Oresteia, insbesondere durch die Furien – Dämonen, die Vergeltung und Rache verkörpern – unterstreicht Bacons Beschäftigung mit Urkräften und moralischen Dilemmata. Die Neuausarbeitung von 1988 war keine bloße beiläufige Rückkehr zu diesem ikonischen Werk; es war ein bewusster Versuch, sich mit dem Erbe seiner ursprünglichen Wirkung auseinanderzusetzen und sowohl seine ästhetische Brillanz als auch seine beunruhigende psychologische Tiefe anzuerkennen.

Stilistische Innovationen: Die Erweiterung der Form

Obwohl er die wesentlichen Kompositionselemente von Three Studies beibehielt, vergrößerte Bacon das Format seiner zweiten Version dramatisch auf etwa 198 × 147 cm – eine Entscheidung, die das expressive Potenzial des Kunstwerks grundlegend veränderte. Der karmesinrote Farbton, der den gebrannten orangefarbenen Hintergrund ersetzt, intensiviert das Gefühl von Grauen und Klaustrophobie und spiegelt die psychologische Spannung des Originals wider. Kritiker bemerkten eine subtile Abkehr von der kargen Einfachheit des früheren Werkes; Bacon schichtete Texturen bewusst übereinander und setzte Techniken ein, die darauf ausgelegt waren, die visuelle Wucht zu steigern. Diese gezielte Erweiterung diente nicht allein der Grandiosität, sondern ermöglichte eine immersivere Erfahrung der verstörenden Bildsprache. Wie John Russell einst beobachtete: „Es gab die Malerei in England vor den Three Studies und die Malerei nach ihnen, und niemand ... kann die beiden verwechseln.“

Symbolik und Bildsprache: Die Konfrontation mit dem Urzeitlichen

Die Figuren selbst – in Acryl auf Leinwand ausgeführt – ähneln den Darstellungen aus Three Studies frappierend und verkörpern Bacons Faszination für verzerrte menschliche Formen. Diese semi-anthropomorphen Kreaturen sind vor einem Hintergrund positioniert, der an die trostlosen Landschaften von Mythos und Legende erinnert und so den Einfluss von Nietzsches Philosophie widerspiegelt. Die bewusste Fragmentierung der Körper – ihre Gliedmaßen in grotesken Posen verdreht – dient als visuelle Metapher für psychische Desintegration und die unvermeidliche Konfrontation mit dem Tod. Bacons Verwendung geometrischer Strukturen – die drei vom zentralen Körper ausgehenden Linien – verstärkt diese thematische Besessenheit, indem sie die Energie der antiken griechischen Tragödie kanalisieren und den unentrinnbaren Zyklus von Gewalt und Vergeltung hervorheben.

Technik: Die Alchemie der Textur

Bacons akribischer Malstil beinhaltete das Auftragen von Acrylfarben auf die Leinwand mit penibler Präzision. Er erzielte bemerkenswerte texturelle Effekte durch eine Kombination aus Pinselstrichen und Lasurtechniken – eine bewusste Abkehr von den glatteren Stilen, die zu jener Zeit vorherrschend waren. Die resultierende Oberfläche zeichnet sich durch eine spürbare Rauheit aus, die eine Unmittelbarkeit und viszerale Energie vermittelt, welche über die bloße visuelle Darstellung hinausgeht. Bei dieser Technik ging es nicht nur um ästhetische Schönheit; es ging darum, das Wesen psychischer Qual einzufangen – das Gefühl, in einem erstickenden Raum gefangen zu sein, in dem Urkräfte drohen, die Vernunft zu überwältigen.

Emotionale Resonanz: Ein unerschütterliches Porträt der Dunkelheit

Letztendlich gelingt es der Second Version of Triptych 1944, Bacons tiefen Pessimismus und sein unermüdliches Engagement zu vermitteln, sich den dunkelsten Aspekten des menschlichen Bewusstseins zu stellen. Wie ihr Vorgänger verweigert sie es, einfache Antworten oder tröstliche Illusionen anzubieten – stattdessen präsentiert sie eine schonungslos ehrliche Darstellung von Leid, Angst und der unausweichlichen Begegnung mit dem Tod. Das Werk steht als kraftvolle Mahnung daran, dass Kunst als Katalysator für Introspektion und als Medium dienen kann, um mit existenziellen Ängsten zu ringen – ein Vermächtnis, das durch Bacons bleibenden Einfluss auf nachfolgende Generationen von Künstlern zementiert wurde.