Schute

Identifikation des monumentalen Werks Schute

Im Jahr 1963 vollendete Robert Rauschenberg sein Werk Schute. Diese großformatige Komposition stellt das größte der einundsiebzig Siebdruck-Gemälde dar, die der Künstler in der Zeit zwischen 1962 und 1964 schuf. Die Leinwand besticht durch ihre beeindruckenden Maße von 203 x 980 cm.

Heute findet das Werk in der Sammlung des Guggenheim Bilbao (Guggenheim Bilbao Museoa) seine Heimat. Es bleibt ein bedeutendes Zeugnis für Rauschenbergs tiefgreifende Auseinandersetzung mit dem Siebdruckverfahren und dem gewaltigen Ausmaß der monumentalen Malerei.

Komposition und visuelle Elemente

Die Komposition offenbart sich als eine dichte, vielschichtige Anordnung disparater Bilder und Objekte. Sie entfaltet ihre Wirkung durch eine chaotische und doch höchst bewusste Akkumulation visueller Informationen, in der architektonische Details und abstrakte Formen mit wiedererkennbaren Gestalten ineinandergreifen. Das monumentale Ausmaß des Werkes ermöglicht ein weitläufiges, nicht-hierarchisches Layout, dem es an einem einzelnen Fokuspunkt fehlt; dies zwingt das Auge dazu, durch ein komplexes Feld fragmentierter Bildwelten zu navigieren.

Die Bildsprache spannt einen Bogen vom Alltäglichen bis zum Technologischen, indem sie urbane Elemente wie Wassertürme auf einem Dach mit Symbolen des Zeitalters der Raumfahrt, darunter ein Satellit und eine Rakete, gegenüberstellt. Diese Motive sind durchsetzt von organischen und mechanischen Subjekten wie Mücken, Vögeln und einem Lastwagen. Inmitten dieser Assemblage integriert das Werk einen bedeutenden Verweis auf die Kunstgeschichte: Diego Velázquez' Die Toilette der Venus (1647–51).

Ein streng monochromatisches Farbschema bestimmt den visuellen Rhythmus. Durch die Beschränkung auf Nuancen von Schwarz, Weiß und Grau betont das Werk die strukturelle Form und die Spannung zwischen den verschiedenen grafischen Elementen. Diese Zurückhaltung lenkt die Aufmerksamkeit auf das Wechselspiel von Licht und Schatten über die verschiedenen Sujets hinweg – von den mechanischen Linien einer Radarschüssel bis hin zu den organischen Silhouetten fliegender Vögel.

Technik und künstlerische Materialien

Das Werk nutzt eine komplexe Kombination aus Öl und Siebdruckfarbe, die auf die Leinwand aufgetragen wurde. Rauschenberg setzte den Siebdruck ein, um Bilder in einem weitaus größeren Maßstab zu übertragen, als es traditionelle Transfermethoden ermöglichten. Dieser Ansatz erlaubte es, gefundene Bilder aus populären Medienquellen direkt in die Komposition zu integrieren. Die daraus resultierende Oberfläche ist eine dichte Schichtung dieser Druckelemente, die mit handgemalten Gesten verschmelzen.

Der Prozess des Künstlers umfasst Techniken des Direktransfer und der Assemblage, um die monumentale Oberfläche aufzubauen. Durch die Kombination dieser Methoden entfaltet das Werk seine Wirkung durch eine Kollision unterschiedlicher Materialitäten. Der Auftrag von Ölfarbe tritt in einen Dialog mit der flachen, kommerziellen Qualität der Siebdruckgrafiken. Dies erzeugt eine spannungsvolle Dynamik zwischen den taktilen, gestischen Spuren des Künstlers und der reproduzierbaren Natur der Massenmedien-Grafik.

Künstlerische Bewegungen und Einflüsse

Dieses Werk stellt einen bedeutenden Ausdruck der Pop Art dar, indem es die vertraute Sprache der Massenmedien nutzt, um sich mit dem zeitgenössischen Leben auseinanderzusetzen. Durch die Einbindung wiedererkennbarer populärer Bildwelten lädt der Ansatz des Künstlers zu Vergleichen mit anderen großen Gestalten dieser Ära ein, die ebenfalls eine kommerzielle Ästhetik pflegten. Das Kunstwerk fungiert dabei als Brücke zwischen disparaten Traditionen, indem es die gestische Energie des Abstrakten Expressionismus mit den subversiven Anti-Kunst-Prinzipien des Dadaismus synthetisiert.

Die Komposition ist eng mit dem sogenannten „Combine“-Stil verknüpft, einer Methode, welche die Unterscheidung zwischen Malerei und Skulptur verwischt. Durch diese Technik überschreitet das Werk die traditionellen zweidimensionalen Grenzen und integriert gefundene Elemente sowie Bildmaterial in eine komplexe, vielschichtige Oberfläche. Dieser Ansatz stellt die Hierarchie künstlerischer Materialien infrage, indem er die Leinwand eher als einen Ort der Assemblage begreift denn als ein bloßes Fenster zur Repräsentation.

Wo man das Kunstwerk heute sehen kann

Diese monumentale Leinwand ist ein geschätzter Bestandteil der Sammlung des Guggenheim Bilbao Museoa. Sie ist in der Guggenheim Bilbao Sammlung Collection untergebracht und stellt eine bedeutende Präsenz innerhalb des institutionellen Bestands dar. Darüber hinaus befindet sich das Werk in der Obhut des Solomon R. Guggenheim Museum in New York.

Der Erwerb und die Bewahrung dieses bedeutenden Exponats sind das Ergebnis der Unterstützung verschiedener Förderer. Das Werk wird zudem durch zusätzliche Mittel finanziert, die von Thomas H. Lee und Ann Tenenbaum bereitgestellt wurden.