Björn Dahlem

Die Architektur des Unsichtbaren

München, 1974. Ein Anfang in Deutschland, der schließlich in die Ateliers von Düsseldorf führt. Zwischen 1994 und 2000 werden die Hallen der Kunstakademie Düsseldorf zu einem Ort der Formung. Der Fokus liegt dabei nicht auf dem Monumentalen oder Beständigen, sondern auf der Komposition des Alltäglichen. Holz, Kupfer, Bronze, Polystyrol und Schaumstoff treffen auf Christbaumschmuck, Glas und Stahl. In der Interaktion dieser Materialien liegt eine ganz eigene Spannung; so findet eine halbe Gurke in Formaldehyd ihren Platz neben einem Kronleuchter aus Kunststoff. Dies sind die Bausteine einer künstlerischen Praxis, die versucht, die Grenzen menschlicher Erkenntnis kartografisch zu erfassen.

Das Werk bewegt sich zwischen dem Mikroskopischen und dem Kosmischen und besetzt jenen Raum, in dem Astrophysik auf das Häusliche trifft. In Installationen wie Sonnen (Suns) wird der Lebenszyklus eines Sterns durch gläserne Sockel, eine getrocknete Zitrone und eine Styroporkugel dargestellt. Die Maßstäbe verschieben sich abrupt: In einem Moment sieht sich der Betrachter mit der Schwere eines Schwarzen Lochs konfrontiert, im nächsten blickt er auf ein Stück Teppich oder einen Metronom. Es ist eine Methode, das Unbegreifliche greifbar zu machen.

Kosmologische Modelle und Materialität

Die Sujets verorten sich in den Bereichen der Wissenschaft, Philosophie, Psychologie und Religion. Der Künstler untersucht das Hubble Ultra Deep Field, in dem Objekte in 13 Milliarden Lichtjahren Entfernung existieren, und bringt diese immense Distanz durch Skulptur und Installation in einen physischen Raum. Dabei setzt das Werk nicht auf High-Tech-Werkzeuge, sondern auf den bewussten Einsatz einfacher, oft fragiler Materialien. Dies erzeugt eine spezifische Reibung, indem die strukturelle Komplexität einer astrophysikalischen Theorie in die Anordnung von Fundstücken übersetzt wird.

Die Installationen fungieren als mentale Habitate oder spirituelle Landschaften. In Das De-Sitter-Sanatorium finden sich Prozac-Tabletten und Bierfässer unter einer Lamellendecke auf einem Tisch. Es ist eine Umgebung, die für einen nicht-praktischen Gebrauch geschaffen wurde. Die Materialien sind oft schwach oder vergänglich, und doch versuchen sie, Phänomenen Gestalt zu verleihen, die jenseits der Reichweite des bloßen Auges liegen. Dieser Prozess umfasst:

• Den Einsatz von Zeichnung, Video und Skulptur, um eine Brücke zwischen Wissenschaft und Ästhetik zu schlagen.
• Eine „Bild-im-Bild“-Strategie, die verschiedene Ebenen der Realität übereinanderlagert.
• Die Transformation banaler Objekte in Symbole von kosmischer Bedeutung.

Akademische Präsenz und globale Reichweite

Der künstlerische Weg führt vom Studenten zum Professor. Nach Jahren als Gastprofessor in Berlin, Nürnberg, Karlsruhe und Braunschweig übernahm der Künstler 2012 eine Professur für Bildhauerei an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig. Im Jahr 2017 verlagerte sich die Tätigkeit an die Bauhaus-Universität Weimar. Dieses akademische Fundament spiegelt die strukturierte und zugleich experimentelle Natur der Kunst selbst wider.

Die Ausstellungen erstrecken sich über Kontinente, von Tokio und Shanghai bis nach Los Angeles und Madrid. Die Werke finden in Institutionen wie der Berlinischen Galerie, dem Hamburger Bahnhof und dem Mori Art Museum statt. Ob es sich um eine Einzelausstellung in der Galerie Guido W. Baudach oder eine Gruppenpräsentation auf der Busan Biennale handelt, die Kernfrage bleibt dieselbe: Wie lässt sich das Unsichtbare visualisieren? Das Werk besetzt weiterhin die Schnittstelle zwischen dem Bekannten und dem Mysteriösen und nutzt die Schwere der Materie, um auf die Leere zu deuten.