One A.M 수작업 유화 – 표준 및 맞춤 제작 사이즈

제니퍼 바틀렛(Jennifer Bartlett)은 개념 미술의 체계적인 미학과 신표현주의의 회화적 접근 방식을 결합한 작품 세계로 잘 알려진 미국의 예술가입니다. 그녀의 많은 작품은 작은 정사각형 모양의 에나멜 코팅된 강철판 위에 제작되었으며, 이 판들을 격자 형태로 조합하여 거대한 규모의 작업을 완성해냅니다.
1941년 캘리르포니아주 롱비치에서 4남매 중 한 명으로 태어난 바틀렛은 건설업을 운영하던 아버지와 자녀 양육을 위해 일을 그만둔 패션 일러스트레이터 어머니 밑에서 성장했습니다. 롱비치의 교외 지역, 즉 바다와 가까운 곳에서 보낸 어린 시절은 그녀의 내면에 물에 대한 깊은 애착을 심어주었으며, 이는 훗날 성숙기 작품 속에 반복적으로 등장하게 됩니다. 그녀는 캘리포니아 오클랜드의 밀스 칼리지에서 수학하여 1963년에 학사 학위를 받았으며, 이후 미니멀리즘이 지배적이었던 시대에 예일 대학교 미술 건축 대학원으로 옮겨 공부했습니다. 그곳에서 요제프 알베르스, 잭 트워크ov, 짐 다인, 리처드 세라와 같은 거장들로부터 수학하며 1965년에 미술 석사 학위를 취득했습니다.
바틀렛은 예일에서의 경험을 두고 "내 삶 속으로 걸어 들어간 순간"이라 표현하며 이를 자신의 가장 폭넓은 영향력으로 꼽았습니다. 2005년 조각가 엘리자베스 머레이와의 인터뷰에서 그녀는 미술 전공 첫해 학생으로서 마음속에 품고 있었던 생각들을 회상하기도 했습니다.
바틀렛의 초기 예술적 자양분이 된 인물로는 그녀가 드로잉을 높게 평가했던 화가 아르시릴 고키, 작품 속 정지된 듯한 평온함을 선사한 피에트 몬드리안, 그리고 개념적 체계성을 보여준 솔 레윗 등이 있습니다.
1964년 의대생이었던 에드 바틀렛과 결혼한 후, 그녀는 뉴욕 소호와 뉴헤이븐을 오가며 코네티컷 대학교에서 강의했습니다. 1972년 이혼 후에는 뉴욕으로 완전히 거처를 옮겨 시각예술학교(SVA)에서 강의를 시작했습니다. 1983년에는 독일 배우 마티유 카리에와 결혼하여 딸 앨리스를 두었으나, 1990년대 초에 이혼하였습니다.
바틀으로 알려진 그녀의 작품은 집, 정원부터 바다와 하늘에 이르기까지 친숙한 주제들을 재현적 예술과 추상적 예술의 요소가 결합된 스타일로 풀어낸 회화와 판화로 가장 유명합니다. 실제로 그녀는 구상 미술과 추상 미술 사이의 구분을 인정하지 않는다고 언급하기도 했습니다. 그녀는 종종 연작 형태나 다분할 화(polyptych)를 제작하며, 특정 작품군 내에서 변화를 이끌어내는 규칙 시스템을 고안해냅니다. 이는 관람객으로 하여금 "우리가 아무리 이성적이라고 생각할지라도, 지각과 과정, 시점의 변화가 주는 효과, 그리고 우리 마음속에서 일어나는 도약에 집중하게" 만듭니다. 1960년대 후반에는 존 케이지의 작업에 영향을 받아 작품 속에 우연의 요소를 도입하기 시작했습니다.
그녀의 사실적인 작품들은 소박한 집과 같은 일상적인 주제를 선호합니다. 그녀의 설치 미술은 여러 점의 캔버스뿐만 아니라 3차원적 오브제들로 구성되기도 합니다. 호놀룰루 미술관이 소장한 1988년 작 <문이 열린 집(house with open door)>은 캔버스 위 유화 디프틱과 동일한 형태의 나무 구조물로 이루어져 있습니다. 현재 달라스 미술관, 호놀룰루 미술관, 로스앤젤레스 카운티 미술관, 메트로폴리탄 미술관, 휴스턴 미술관, 뉴욕 현대 미술관(MoMA), 필라델피아 미술관, 샌프란시스코 현대 미술관, 테이트 모던, 휘트니 미술관 등 세계 유수의 공공 미술관들이 제니퍼 바틀렛의 작품을 소장하고 있습니다.
대부분의 비평가는 바틀렛의 작업을 독창적이고 에너지 넘치며 광범적이고 야심 찬 것으로 평가하며, 그녀를 포스트 미니멀리즘 세대의 가장 뛰어난 화가 중 한 명으로 꼽습니다. 한 평론가는 그녀의 작업이 가진 핵심적인 역설에 주목했습니다. 즉, 바틀렛은 개념 미술가들이 선호하던 통제되고 합리적인 격자 구조를 가져와, 이를 통해 1980년대 신표현주의 작품들과 맥을 같이하면서도 인상주의에 빚을 지고 있는, 감성을 자극하는 이미지의 거대한 흐름을 분출시켰다는 것입니다. 물론 일부 비평가들은 그녀의 작업이 표면에 지나치게 집중되어 다소 피상적이라거나 절충주의로 인해 힘이 약해졌다고 지적하기도 합니다. 그녀는 여러 차례 회고전과 조사전을 가졌는데, 1985년 브루클린 미술관에서 시작된 첫 전시를 비롯하여 2011년 뉴욕 현대 미술관, 2014년 패리시 미술관 등에서 주요 전시가 열렸습니다.
작업 초기 바틀렛은 얼리거나 부수는 등의 극한 환경에 노출시키는 다양한 3차원 작품들을 제작하기도 했습니다. 또한 그녀는 당시 자신과 많은 개념 미술가들이 사용하던 모눈종이처럼, 지울 수 있으면서도 격자가 그려진 작업대를 원한다는 사실을 깨달았습니다. 이를 위해 그녀는 현재 그녀의 상징적인 재료 중 하나인 '1피트 크기의 강철판'을 고안해냈습니다. 이는 흰색 에나멜이 입혀진 표면에 4분의 1인치 격자가 실크스크린으로 인쇄된 형태입니다. 그녀는 이를 대량으로 제작하였으며, 이후 다양한 크기로도 작업을 확장했습니다.
그녀의 초기 유명작인 <랩소디(rhapsody)>를 통해 바틀렛은 개념 미술을 위한 벽화 형식을 재정립했습니다. <랩소디>는 987개의 1피트 정사각형 에나멜 코팅 강철 타일을 사용하여, 높이 7개, 너비 약 142개의 격자 형태로 배열되어 여러 벽면에 걸쳐 펼쳐지는 거대한 작품입니다. 주제는 바틀렛이 예술의 기본 요소라고 믿었던 것들의 변주로 이루어져 있습니다. 즉, 네 가지 보편적 모티프(집, 나무, 바다, 산), 기하학적 형태(선, 원, 삼각형, 사각형), 그리고 색채(25가지 색조)가 그것입니다. 이 작품은 '도입', '산', '선', '집', '나무', '형태', '바다'라는 일곱 개의 섹션으로 구성되어 있습니다.

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