Manfred Mayerle

Die Architektur von Linie und Farbe

München, 1959. Die Akademie der Bildenden Künste bildet den Ausgangspunkt für ein Schaffen, das durch das Spannungsfeld zwischen Struktur und Spontaneität definiert wird. Manfred Mayerle studiert bei Josef Oberberger, Hermann Kaspar und Anton Marxmüller und verinnerlicht die Grundlagen der Form, noch bevor der Drang entsteht, diese zu brechen. Bis 1970 verschiebt sich der Fokus vom akademischen Studium hin zum freischaffenden Leben, das zwischen der urbanen Energie Münchens und dem Licht Mallorcas pendelt. Er wird Teil der 68er-Bewegung, einer Bewegung, die vom Wunsch getrieben ist, die Gesellschaft durch Kunst zu verändern, wobei er sich oft in der Kritik an einer Welt wiederfindet, die Branding und Trivialität über das Streben nach Qualität stellt.

Sein Prozess ist eine physische Konfrontation mit dem Medium. Er trägt die Farbe nicht einfach nur auf; er gießt, pinselt und rollt massive Mengen von Pigmenten auf. Ein Hybridwerkzeug, der Pinselfüller – teils Pinsel, teils Füllfederhalter – ermöglicht es ihm, die Lücke zwischen der fließenden Lasur einer Malerei und der präzisen, obsessiven Wiederholung einer Linie zu schließen. Dieses Werkzeug verwandelt ein einfaches Blatt Hotelpapier oder einen weggeworfenen Karton in einen Ort intensiver grafischer Untersuchung. In seiner Out of the Box-Serie wird das Material der Verpackung selbst zur Leinwand für komplexe, gewebte Gitter und ineinandergreifende Strukturen.

Maßstab und räumliche Resonanz

Das Werk bewegt sich vom Intimen zum Monumentalen und besetzt Räume, die eine ganz eigene Art der Wahrnehmung fordern. In der Eingangshalle des Siemens-Hauptsitzes in Erlangen zwingt ein Gemälde von 12,6 mal 6 Metern den Betrachter, sich mit dem Maßstab auseinanderzusetzen. Solche großformatigen Aufträge definieren seine Beziehung zur Architektur. Er hat einen 250 Meter langen Korridor in Fürstenfeldbruck sowie das Auditorium Maximum eines technischen Colleges in Nürnberg gestaltet, wo vier massive Rechtecke, jeweils etwa 16 Meter lang und 4 Meter hoch, dem Betrachter gegenüberstehen. Diese Werke sind keine statischen Dekorationen; sie sind visuelle Resonatoren.

In diesen weitläufigen Umgebungen erhält die Farbe ein ganz eigenes Gewicht. Im Nürnberger Auditorium kulminieren Schichten von Blau in einer Tiefe, die eine Wasseroberfläche imitiert, gelegentlich moduliert durch warme Rottöne. Die Vertikalität der Farbe, die durch Gießen und Pinseln aufgetragen wurde, ahmt die aufrechte Haltung der menschlichen Figur nach. Die Farbe sucht nicht den schnellen Effekt. Vielmehr strebt sie nach einem Gefühl der Dauer, einem kontinuierlichen Farbfluss, der den Betrachter mit der physischen Realität des Raumes verbindet.

Die Suche nach dem Wesentlichen

Die Entwicklung seines Stils markiert eine Abkehr von seiner frühen Ausbildung in der figurativen Porträtmalerei. Während er einst Preise für seine Fähigkeit gewann, das Ebenbild eines Subjekts einzufangen, findet sein späteres Werk das Subjekt in der Farbe und der Linie selbst. Die Geometrie seiner Gemälde offenbart sich bei näherer Betrachtung oft als etwas weitaus Komplexeres – eine trügerische Einfachheit, die eine tiefe, vielschichtige Geschichte des Farbauftrags verbirgt. Er sucht das Transzendente im Konkreten und nutzt die physischen Eigenschaften des Pigments, um nach etwas Beständigerem zu greifen.

Sein Atelier in Establiments auf Mallorca dient als Zufluchtsort für diese fortwährende Untersuchung. Hier prägt das Licht der Insel seinen Blick und dient als „Tankstelle“ für seine kreative Energie. Ob er an einer kleinen Tuschezeichnung oder einem gewaltigen Wandgemälde arbeitet, das Ziel bleibt dasselbe: der Farbe ihren eigenen Weg nach unten zu erlauben und so einen Dialog zwischen der Hand des Künstlers und der Schwerkraft des Mediums zu schaffen.